Vivono in me | Case stregate e vite programmate

Ho sempre trovato che l’inserimento nei fumetti di Jesse Jacobs di temi relativi all’ambiente, al vegetarianesimo e più in generale al rapporto etico e mistico tra uomo e natura, fossero inevitabili. Non li ho mai percepiti come temi realmente sentiti dall’autore, quanto più come frutti dello sviluppo organico del racconto. È una cosa che Jacobs non può evitare, le sue storie lo portano lì e lui non può farci niente. Anzi, non le sue storie, ma i luoghi in cui le ambienta. È da lì che nasce tutto.

Ogni libro di Jacobs è un microcosmo che risponde a regole proprie, che sia un’aliena meta turistica, un Eden capriccioso o la casa stregata protagonista di Vivono in me, il suo ultimo fumetto edito da Hollow Press. Sono habitat che, come nella realtà, sviluppano forme di vita, reazioni sociali, tracciano le coordinare spazio-temporali di un mondo che non ha nulla a che fare con nessun altro già esistente. Si potrebbe dire che nel lavoro di Jacobs è il contenitore a sviluppare e dare forma al contenuto, ponendo regole proprie nell’incedere della storia e nel dispiegamento delle tematiche. Non è un caso che, sovvertendo le regole del genere, la casa protagonista rivela sin dalla prima tavola la sua natura maligna: a Jacobs preme anzitutto definire ciò che è il suo contenitore, stabilirne i confini e le caratteristiche e difatti investe gran parte delle pagine a sua disposizione proprio a descriverci l’abitazione.

Lo fa con intelligenza, obbligandoci a seguire la visita della casa che un agente immobiliare sta presentando a una giovane coppia, ancora ignara di ciò che le spetta. Qui comincia il vero divertimento di Jacobs che tra architettura escheriana, cucine pieghevoli, mobili che prendono vita e stanze immateriali, catapulta marito e moglie in un incubo al flash forward in cui consumano la loro intera esistenza da coniugi all’interno di quelle quattro mura e della finestra temporale in cui avviene la visita. Più che una riflessione sulla vita di coppia, questo terrificante flash forward è la piastra di Petri in cui Jacobs osserva il naturale svolgimento della vita con uno sguardo all’apparenza leggero ma che risulta quasi immediatamente inquietante.

E’ un tipo di orrore quello trasmesso da Vivono in me, che nasce dal dubbio dell’esistenza di uno schema prestabilito nelle nostre vite, di una forza superiore che ci ha messo su binari da cui ci è impossibile deragliare. E se Jacobs usa all’inizio lo schema rigido della visita e l’accelerazione temporale, la sensazione di essere realmente oppressi da un’entità misteriosa arriva quando compaiono le digressioni geometriche che sono ormai diventate il marchio di fabbrica della narrazione dell’autore canadese. In Vivono in me la geometria si fa più sintetica ed essenziale trasformandosi in una sorta di geroglifico, una scrittura astratta e abietta che sembra regolare le nostre vite, una sorta di scheda di programmazione del destino personale di ogni uomo.

Vivono in me è un racconto nero che nasconde sotto un’apparente leggerezza un’idea cupa della vita umana, ma al contempo ci affascina e ci meraviglia mostrandoci lo spettacolo di una natura continuamente rigenerata da una forza mistica e organica che l’uomo sembra ormai avere perduto.

Vivono in me
di Jesse Jacobs
Traduzione di Valerio Stivè
Hollow Press, 2017

Gigahorse #12 | Gennaio 2017

Gigahorse è il riassunto delle mie letture mensili. In ordine cronologico. Lo faccio solo per ricordarmi di quel che leggo.


segniaddossoI SEGNI ADDOSSO – Storie di ordinaria tortura
di Andrea Antonazzo, Elena Guidolin e Renato Sasdelli (Edizioni BeccoGiallo, 2016)
I segni addosso vive di due estremi che cercano di sorreggersi a vicenda. Da un lato c’è una sceneggiatura tradizionale e didascalica (che in questo caso non sempre appare come un demerito) mentre dall’altro ci sono delle tavole che puntano tutto sull’emozione più che sulla ricostruzione lineare dei fatti. Il risultato sarebbe e potuto essere più felice: le illustrazioni di Elena Guidolin rubano la scena a una scrittura che fa il suo dovere ma risulta troppo debole, tant’è che anche la struttura del libro non riesce a trovare un compimento e una chiusura tale da rendere incisiva la narrazione. A tirare colpi in faccia ci pensa la Guidolin, capace di una narrazione laterale alle vicende narrate (si concentra sempre su particolari apparentemente secondari) per dare così corpo e anima ai dolori, alle umiliazioni e alle torture subite.

xuwwuuXUWWUU – A furvert fairytale
di Gabriel Delmas (Hollow Press, 2016)
Gabriel Delmas ci accompagna nuovamente nelle terre che popolano i suoi incubi. Xuwwuu è un lavoro affascinante e lirico, da esplorare e percepire senza cercare di comprenderlo o decifrarlo. Per i lettori più coraggiosi e quelli che non si spaventano a leggere e rileggere qualcosa per scorgere particolari e connessioni che raccontino qualcosa di sé. Chiude il volume una bellissima intervista di Michele Nitri all’autore, ottima sia come introduzione per i nuovi lettori, che come utile appendice per i suoi lettori più affezionati. Qui trovate anche la mia recensione.

tintinLE AVVENTURE DI TINTIN
Nel paese dei Soviet – Tintin in Congo – Tintin in America – I sigari del Faraone
di Hergé – Traduzione di Giovanni Zucca (allegato RCS, 2017)
Parte la collana da edicola dedicata a Tintin, una raccolta cronologica in volume singolo con copertina cartonata fatta di quel materiale che ti fa venire voglia di appoggiarci la faccia sopra. Le tavole sono della stessa dimensione della raccolta che Rizzoli Lizard fece uscire qualche anno fa e che risulta ancora la versione più economica in commercio. Sto preparando un diario di lettura della serie, lo vedrete presto qui. 

thinTHIN #1-3
di Jon Clark (American Gothic Press, 2016)
Interessante miniserie in tre numeri che racconta la storia di una donna obesa convintasi di dimagrire dopo il tradimento del marito. Si rivolge a uno specialista particolare che la fa finire in una situazione poco piacevole. Il fumetto è a metà tra un film di Cronenberg (ma senza morbosità e amore per il gore) e uno di quei film indipendenti con un solo protagonista intrappolato in una situazione di merda (Mine, Buried e simili). E in effetti Thin potrebbe essere un buon film, perché darebbe la possibilità di approfondire alcuni aspetti e momenti che il fumetto gestisce troppo velocemente (su tutti il buon finale rovinato da una scrittura psicologica un poco grossolana). Funzionali i disegni, poggiati letteralmente sul corpo gigantesco della protagonista.

plutonium1PLUTONIUM
di Gabriel Delmas (Hollow Press, 2016)
Espressione atterrita, sguardo e bocca spalancati, due gambe secche che percorrono enormi distanze. Questi i tratti distintivi del protagonista di Plutonium, un mostriciattolo che esplora un mondo mutante, sorprendente e spaventoso. Quasi un libro di esplorazione per l’attenzione che Delmas ripone nella descrizione di flora e fauna, con un approccio naturalista e quasi enciclopedico accentuato dal tratto a matita. Qui trovate anche la mia recensione.

fashionbeastFASHION BEAST
di Alan Moore, Malcolm McLaren, Anthony Johnston e Facundo Percio – Traduzione di Leonardo Rizzi (Panini Comics, 2016)
Tratto da un soggetto di Alan Moore (a sua volta sviluppato da un’idea dell’eclettico Malcolm McLaren), Fashion Beast è un lavoro dai contenuti interessanti ma non sostenuto a dovere dalla sceneggiatura. La scrittura di Antony Johnston è altalenante: ci sono buoni momenti (gli scambi tra Celestine e Doll sono sempre all’altezza delle aspettative create) e sequenze ben gestite (come l’incipit), ma la scrittura dei personaggi non è sempre convincente e la loro ambiguità è spesso sotto-utilizzata. In più la storia (soprattutto nella parte iniziale) è eccessivamente allungata, cosa che le fa perdere il grip sulla tensione creata attorno al primo colpo di scena. Facundo Percio fa il suo dovere. Insomma, fa la solita cosa nello stile Avatar Press.

howtosurviveinthenorthHOW TO SURVIVE IN THE NORTH
di Luke Healy (Nobrow, 2016)
Cosa c’entrano tra loro una eschimese abbandonata tra i ghiacci da due scienziati nell’anno 1922, un professore costretto dopo uno scandalo a vivere il 2013 come il suo anno sabbatico, e il capitano di una nave incastrata nel ghiaccio dell’Artico nel 1913? Per una ragione e per l’altra tutti e tre sono perduti in un ambiente ostile e in una situazione difficile da superare. La forza del racconto di Luke Healy è quella di non intrecciare mai le storie (al massimo si sfiorano), ma di farle avanzare contemporaneamente. Sarà compito del lettore notare le analogie e le differenze di quella che comunque appare come un’unica storia sulla tenacia, sul coraggio e sulla speranza. Lo stile di disegno di Healy è reso originale da un uso del colore capace di dare un nuovo volto ai luoghi delle vicende. How to survive in the North è una storia d’avventura intima, classica e al contempo pop. Un ibrido interessante e riuscito

latteradeifigliLA TERRA DEI FIGLI
di Gipi (Coconino Press, 2016)
La terra dei figli
è la storia dell’ultimo libro dell’umanità. Una storia per forza di cose primitiva, dove la scrittura pare aver perso qualsiasi valore comunicativo nella vita reale per riacquistarne uno più primordiale e istintivo. Gipi conferma le sue già note qualità di narratore, ma spogliatosi della voce narrante e dell’autobiografismo e approdato nei territori della pura fiction, si riscopre essere un autore mille volte migliore di quello che è stato. Non solo più sincero (e questo è un paradosso visto che il cambiamento coincide con il suo primo lavoro di finzione) e meno propenso all’uso di trucchetti e sotterfugi (in primis proprio la sua ruffiana e perfetta voce narrante), ma perfino più incisivo, basti pensare a come un tema a lui caro come la paternità e il ruolo dei figli, venga sviluppato in maniera più profonda e forte rispetto al passato. Gipi dimostra la sua grandezza anche nel delineare un mondo futuro senza spiegazioni ma solo attraverso le suggestioni, evitando così toni paternalistici o apocalittici, soprattutto nei momenti in cui emergono echi riguardante internet e i social network. Un lavoro praticamente perfetto, puro e finto e proprio per questo ancora più reale rispetto ai suoi predecessori. Da leggere in coppia con La peste scarlatta di Jack London, con cui condivide più di una suggestione.

harrowcounty2HARROW COUNTY #2 – Come allo specchio
di Cullen Bunn e Tyler Crook – Traduzione di Valerio Stivé (ReNoir, 2016)
Harrow County si fa sempre più interessante nel modo in cui decide di trattare la stregoneria. Sembra una specie di Harry Potter in cui la protagonista invece di essere un eroe che deve compiere il suo destino, è una normale ragazzina che scopre il suo potere e deve combattere proprio contro quella sua predestinazione. Sempre molto convincente il lavoro di Tyler Crook. A occhio bisognerà attendere il prossimo volume per cominciare a intravvedere quello che sarà il vero nucleo della storia. Ve ne parlo in maniera più approfondita su Fumettologica.

nevefondazioneNEVE: FONDAZIONE – Il sangue degli innocenti
di Didier Convard, Eric Adam, Didier Poli e Jean-Baptiste Hostache – Traduzione de I Cosmonauti (Editoriale Cosmo, 2016)
Il prequel di Neve trasforma la saga da teso thriller politico e complottaro in un survival post-apocalittico dove muoiono più o meno tutti. E questa è la cosa che mi ha divertito di più del fumetto: non c’è un protagonista fisso così la narrazione prende ritmi sempre diversi che riescono a tenere in piedi una storia che non regala grandi sorprese. Disegni un poco monotoni, soprattutto nelle sequenze d’azione cui manca spesso una dinamica chiara.

deadpool2099DEADPOOL 13
di Autori Vari – Traduzione di Luigi Mutti (Panini Comics, 2016)
Secondo numero per Deadpool 2099 (che ricordo essere un appuntamento semestrale all’interno della testata principale). È l’unica serie di Deadpool che davvero mi interessa, sia per una storia ben raccontata e che cambia un poco le dinamiche del personaggio, sia per le illustrazioni di Scott Koblish. Se c’è un fumetto di Deadpool che va letto è sicuramente questo. Per il resto terminano la loro corsa i Mercenari per soldi. E menomale. Solite idee noiose e umorismo squallido dilatate fino allo sfinimento.

artopsART OPS #1 – Come iniziare una rivolta
di Shaun Simon, Mike Allred e Matt Brundage (RW Edizioni, 2016)
Il problema di Art Ops non è la scrittura prevedibile dei personaggi e della trama, ma un high concept pieno di buchi e incongruenze. L’Art Ops ha la missione di salvare le opere d’arte da un misterioso nemico. Lo fa estraendo letteralmente dai quadri i soggetti ritratti sostituendolo poi con dei sosia. E qui arriva il primo inciampo: e i quadri astratti? Quelli di solo paesaggio? E le nature morte? Quella non è vera arte degna di essere salvata? Il misterioso nemico si rivela essere il soggetto di un brutto quadro, dove per brutto quadro si intende un personaggio i cui tratti sono ripresi da cubismo ed espressionismo. Mi state dicendo che la Monna Lisa è brava perché classica e il cattivo è crudele perché è cubista? La cosa che più mi intrigava dell’idea iniziale era vedere la Gioconda catapultata nel 2017 e vedere un poco l’effetto che faceva. Niente, si abitua in un secondo come se nulla fosse. Per fortuna ci sono i disegni di Mike Allred e Matt Brundage, capaci di creare un’atmosfera in cui far convivere una Monna Lisa punk e un David – Elephant Man. Vediamo se col secondo e ultimo volume qualcosa si sistemerà, ma visto che i problemi stanno nelle fondamenta non ho molte speranze in merito.

bcomicsshhhB COMICS – FUCILATE A STRISCE: SHHH!
a cura di Maurizio Ceccato (Ifix, 2016)
Silenzio in sala, è arrivato il nuovo B comics ed è tutto muto. Non che gli manchino cose da dire, anzi. Il silenzio è stata l’imposizione e la sfida che Maurizio Ceccato (curatore, allenatore, silenziatore) ha imposto agli autori coinvolti nel progetto. E come sempre la selezione di Ceccato non si limita solamente a una batteria di illustratori di razza, ma è anche un laboratorio di narrazioni che cerca di allargare orizzonti e ambizioni del fumetto. Qualche racconto è più riuscito degli altri, tutti sono lontani dalla banalità (formale e di contenuti, se la differenza tra i due elementi esiste). Su Critica Letteraria vi avevo dei due volumi precedenti di B comics, CRACK! e GNAM!. Aspettate ancora un poco e arriva la recensione anche di questo.

suicidesquadharleyquinn18SUICIDE SQUAD / HARLEY QUINN #18
di Autori Vari – Traduzione di MC Farinelli (RW Edizioni, 2016)
Numero di passaggio per Harley Quinn, fondamentalmente una storia scritta solo per introdurre il nuovo costume del personaggio (uguale a quello del film Suicide Squad) e il nuovo cattivo che ci ritroveremo nei prossimi numeri. Comunque un numero divertente e di intrattenimento. Comincio a prenderci gusto nel seguire invece questa nuova gestione della Suicide Squad. Tim Seeley scrive un fumetto d’azione senza alcuna pretesa se non quella di regalarci uccisioni spettacolari e un’interazione tra i personaggi meglio gestita che in precedenza. E per ora ce la sta facendo. Ferreyra non mi convince del tutto perché sembra stia nascondendo alcuni suoi limiti (soprattutto nella recitazione dei personaggi) dietro una regia inutilmente complessa e barocca. Sui Segreti Sei continua ‘sta cosa assurda delle colonne, che il gruppo di “eroi” vuole distruggere per salvare Black Alice anche se ciò comporta la venuta di mostri spaziali sulla Terra. Non fa per me.

mezolith1MEZOLITH #1
di Ben Haggarty e Adam Brockbank – Traduzione di Francesca Martucci ed Elisabetta Sedda (Diabolo Edizioni, 2016)
Mezolith ha la pretesa di raccontare da dove vengono le prime storie del mondo e inaspettatamente riesce nell’impresa grazie a un mix di precisa ricostruzione storica e invenzione letteraria. La magia convive così con il reale, la fedeltà storica con la ricostruzione fantasiosa, e insieme compongono l’intricato mosaico delle vite dei nostri antenati. La struttura episodica del libro forse smorza la portata emotiva del racconto, ma dà la possibilità agli autori di descriverci un mondo variegato fatto di favole, battaglie, spiritualità e battute di caccia. Sospesi tra realismo e magia sono i disegni di Brockbank, molto suggestivi e sostenuti da una regia tradizionale ma attenta e meno banale di quel che può sembrare.

playboyIL PLAYBOY
di Chester Brown – Traduzione di Stefano Sacchitella (Coconino Press, 2016)
Questo è un fumetto per chi ci mette più tempo a scegliere un porno che a guardarlo, per chi è abbastanza vecchio da aver passato più tempo a nascondere materiale pornografico che a utilizzarlo. Un fumetto per chi ha questo tipo di ossessione (o passione?) e trova in Chester Brown non un amico ma più un interlocutore, qualcuno con cui condividere i propri pensieri più imbarazzanti. È stato liberatorio leggere della reazione di Brown alla playmate di colore (perché guardo solo porno con attrici bianche? Sarò intimamente razzista?), del suo concentrarsi su un particolare dei loro corpi per poi innamorarsene (oppure gettare via la pagina), della sua presa di coscienza di come la pornografia sia parte essenziale della sua vita e l’erotismo un luogo in cui si ha l’occasione di capire un po’ più sé stessi.

Laser #13 | Gennaio 2017

Laser è l’elenco delle recensioni che ho pubblicato durante il mese. Di solito sono molto poche perché sono pigro.


COCKTAILS ANYTIME a cura di Studio Pilar (Studio Pilar, 2016)
Dopo Cocktails pre-dinner e Cocktails after-dinner i bartender editoriali dello Studio Pilar sembrano ormai aver imparato a miscelare nel modo corretto tutti gli ingredienti disposti sul loro bancone e questo Cocktails anytime, terzo capitolo della loro quadrilogia alcolica, dimostra ancora più sicurezza e maturità nella scelta degli artisti coinvolti, che si fanno notare non solo per la varietà grafica, ma soprattutto per approcci narrativi sempre diversi tra loro.
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STORIE DEL BARRIO di Gabi Beltrán e Bartolomé Seguí – Traduzione di Dario Fiocco (Tunué, 2016)
La voce narrante del libro è ingombrante, fastidiosamente consapevole e adulta (sia nelle sue considerazioni che nelle sue banalità), spesso soffoca le tavole rubando spazio ai disegni di Seguí, erodendone le vignette come una calamità. Questo suo imporsi sulla narrazione visiva fa affondare Storie del Barrio in una verbosità inutile, che non diventa mai retorica ma sembra voler prendere le redini del racconto e lasciare poco spazio di manovra a Seguí.
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xuwwuuXUWWUU e PLUTONIUM di Gabriel Delmas (Hollow Press, 2016)
L’autore stra creando un mondo complesso dai confini labili in modo da poterci trasferire tutta la sua esperienza umana, trasfigurandola in avventure, in favole, in storie che non cercano mai di restituircene una visione semplificata e ridotta, ma ne allargano la visuale ingarbugliando ulteriormente il gomitolo della nostra esistenza. Le storie di Delmas non sono una chiave di lettura per comprendere le nostre vite e distendere il filo di questo gomitolo immaginario, sono storie che evocano una forza primordiale, che ci portano lontano dai nostri corpi per sentire meglio le ferite che ci percorrono. Non per sanarle, ma per guardare da vicino il mondo che nascondono.
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LA SAGA DEI BOJEFFRIES di Alan Moore e Steve Parkhouse – Traduzione di Michele Foschini (Bao Publishing, 2016)
Perché la mostruosità dei Bojeffries non ha nulla al di fuori dagli schemi, non stravolge con la sua presenza le vite normali dei normali esseri umani. La mostruosità dei Bojeffries è quanto di più ordinario e omologato vi possa essere, tant’è che nessuno tra gli umani pare accorgersene. I Bojeffries lavorano, escono, vanno al supermercato e in vacanza come se nulla fosse: non sono visti con diffidenza, non sono emarginati, non sono esclusi dalla vita sociale (lo sono invece le minoranze razziali). Sono anzi omologati e perfettamente inseriti nella vita di quartiere, mostri che hanno perso impulsi e onore per accettare le pigre comodità della vita borghese, del posto fisso in fabbrica, del cibo industriale e della vita raccontata dalla televisione.
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Xuwwuu e Plutonium | I mostriciattoli di Gabriel Delmas

Gli incubi della ragione generano mostriciattoli è la frase che compare nella quarta di copertina di Xuwwuu, nuovo libro del francese Gabriel Delmas, sempre edito da Hollow Press.

Dopo il poderoso Largemouths (dove già i mostriciattoli comparivano, pur relegati sullo sfondo), sembra che l’artista francese sia sempre più coinvolto nel racconto delle Terre dell’Incubo che fanno da scenario e terra di coltura per queste creature mostruose e ridicole. L’apparizione in Largemouths di questi esserini era nel ruolo di osservatori silenziosi delle vicende di potere che coinvolgevano il mondo volgare e primitivo raccontato nel volume. Un ruolo defilato ma importante, con il compito di dare conclusione alle vicende del racconto, che loro chiudono con una fragorosa risata (l’unica onomatopea presente nelle settecento pagine silenziose che compongono il libro) svelando la natura ridicola e stupida dello scontro tra i Titani per il dominio della Terra. Con i loro volti dai lineamenti esagerati, le espressioni caricaturali e una dimensione minuscola rispetto ai giganti che popolano il libro, i mostriciattoli di Largemouths sembrano giudici di un altro pianeta, osservatori indiscreti di una realtà che comprendono e per questo motivo deridono.

Con Fobo Gabriel Delmas ci accompagna per la prima volta nelle Terre dell’Incubo. Seguendo il protagonista del racconto (un simil-spermatozoo munito di arti e pistola), l’autore disegna un’avventura di fantascienza che omaggia i classici francesi degli anni Sessanta nel design e nell’approccio esplorativo, ma che prende subito il largo verso territori onirici e surreali dove tutto sembra mutare vignetta dopo vignetta. Fobo sembra ambientato nell’utero di Barbarella dove la creatura-spermatozoo compie un viaggio avventuroso con la missione di fecondare la donna protagonista. L’organismo diventa paesaggio, le sue protuberanze si trasformano in creature e questa strana fecondazione è lontana dalla biologia umana e animale, ma risponde a regole tutte sue e che sembrano crearsi e modificarsi nel momento in cui il protagonista compie le azioni.
fobodelmasNella creazione di questo mondo fantastico parallelo al nostro, Delmas pare quasi voler dare corpo agli impulsi e alle inquietudini dell’essere umano eliminando qualsiasi riferimento psicanalitico per modellare un pianeta alieno popolato da mostri e creature che sono trasfigurazioni del nostro mondo interiore. E infatti in questi racconti è imprescindibile la figura umana come perno attorno a cui far ruotare storie e azioni: una figura umana femminile, nuda e misteriosa, sempre collegata alle creature da un rapporto di bisogno/repulsione, come noi con i nostri desideri e bisogni nascosti. In questo senso Fobo non può definirsi in toto una metafora della fecondazione perché il desiderio che descrive è molto più complesso e articolato: più in profondità, Fobo racconta del sogno/bisogno di una mutazione.

Nella stessa misura Xuwwuu non è semplicemente la versione onirica del desiderio sessuale e della maternità, quanto una messa in scena del ciclo della vita. Rispetto ai tentativi precedenti Delmas tratta la materia con un lirismo selvaggio e sensuale, accentuato dalla tecnica pittorica (gli interni sono dipinti con colori acrilici, la copertina con tempera all’uovo) che trasfigura un mondo avvolto dall’oscurità, uno sfondo misterioso e uniforme da cui le creature emergono gradualmente in un gioco di piani sovrapposti come spettatori dell’evento centrale del fumetto. Che non è nient’altro che l’arrivo (ancora una volta) di una donna nuda e bellissima in un terra straniera popolata da mostri e mostriciattoli. La donna è una creatura divina, fatta comparire da un dio misterioso nel tentativo (forse) di impiantare un seme di purezza e innocenza in una coscienza/mondo ammantata dalla disperazione e in cui riescono a sopravvivere solo creature e pensieri immondi. Il ciclo della vita secondo Gabriel Delmas è l’inutile e goffo tentativo di perpetrare la propria specie, così com’è inutile e goffa l’idea che questo possa servire anche a renderla migliore. Cosa che sistematicamente non accade.xuwwuu1

In tutto questo i mostriciattoli del nostro cervello principalmente osservano, urlano, fissano sbigottiti o incuriositi ciò che accade. Il character design è sorprendente per la diversità di stili e approcci: ci sono mostri classici come esseri scheletrici o simili a zombie che affiancano aborti umanoidi e animali, ma trovano anche largo spazio esseri dal design meno radicale, come fantasmini simili a quelli di Pac-Man o esseri-fungo che paiono vivere in simbiosi tra loro. Nell’affiancare creature nuove a quelle che fanno parte della tradizione o della cultura pop, Delmas crea un sottobosco di mostri che è l’accumulo indistinto di memorie e ricordi che hanno trovato terreno fertile per crescere e mutare all’interno dei nostri sogni.

Il lavoro di design più complesso Delmas lo porta a termine con la creatura che ingravida la donna, uno scherzo della natura blu e con una zazzera rosa che sembra nato dall’incrocio tra un maiale, un orso, un cane e un essere umano. In lui c’è tutto il senso ridicolo e glorioso della vita, il suo lato selvaggio e primordiale ma anche una sfumatura dolente. Questa creatura è il lupo eccitato di Tex Avery, è il maschio della mantide religiosa dopo l’amplesso, è un essere umano che si accascia morente. Delmas crea un mondo in cui, in un solo personaggio, possono coesistere la ridicolaggine e la parodia dell’eccitazione sessuale, il suo valore sacro simile a un martirio e la presa di coscienza della fine del propria utilità di maschio una volta finito l’amplesso.

A oggi questo Xuwwuu è il lavoro più complesso e affascinante di Delmas, quello più capace di penetrare la nostra immaginazione facendo leva su istinti e ricordi, radicandosi nei nostri sogni con immagini vivide e perturbanti.

plutonium

Ma il percorso nelle Terre dell’Incubo non termina qui. Plutonium, uscito qualche mese prima di Xuwwuu, è un’altra tessera che va a comporre il potenzialmente infinito mosaico del mondo interiore di Delmas. Plutonium mette in scena il primo viaggio di una creatura all’interno di questo mondo, un protagonista atterrito, spaventato e meravigliato che sembra incarnare lo sguardo umano davanti alla complessità del proprio paesaggio mentale. Il protagonista è una creatura munita solo di gambe e di occhi e bocca perennemente spalancati verso un mondo troppo vasto e variegato da riuscire a comprendere. E così lui corre soltanto, attraversando i vasti paesaggi che Delmas racconta con dovizia di particolari. Non è il tratto essenziale di Fobo e nemmeno quello spirituale e classico di Xuwwuu, qui Delmas sembra riprendere il disegno naturalistico e con la sola matita si mette a esplorare il paesaggio e a raccontarci le forme di vita animali e vegetali (il confine è labile) che lo abitano. Più che un fumetto ne esce fuori una raccolta di illustrazioni tra Gustave Doré e l’Encyclopédie, una sorta di trattato scientifico e mistico al contempo per cercare di afferrare non le regola, ma la bellezza intrinseca dei luoghi.

Gabriel Delmas è una scoperta continua, sia per le sue doti artistiche che gli permettono di spaziare tra numerose tecniche e di utilizzare stili diversi dando loro una coerenza interna inaspettata, sia per la sua capacità immaginativa. L’autore stra creando un mondo complesso dai confini labili in modo da poterci trasferire tutta la sua esperienza umana, trasfigurandola in avventure, in favole, in storie che non cercano mai di restituircene una visione semplificata e ridotta, ma ne allargano la visuale ingarbugliando ulteriormente il gomitolo della nostra esistenza. Le storie di Delmas non sono una chiave di lettura per comprendere le nostre vite e distendere il filo di questo gomitolo immaginario, sono storie che evocano una forza primordiale, che ci portano lontano dai nostri corpi per sentire meglio le ferite che ci percorrono. Non per sanarle, ma per guardare da vicino il mondo che nascondono.

Xuwwuu – A furvert fairytale
di Gabriel Delmas
con un’intervista di Michele Nitri all’autore
Hollow Press, 2016
25 pag.

Plutonium
di Gabriel Delmas
Hollow Press, 2016
12 pag.

Largemouths | Gabriel Delmas e il mondo prima di Dio

Questa recensione è stata pubblicata precedentemente su WildWood.


Gabriel Delmas è un artista francese pressoché sconosciuto in Italia. Scrittore, disegnatore, pittore, video-artista, Delmas ha anche all’attivo numerosi fumetti pubblicati con alcune tra le più importanti case editrici francesi (Delcourt, Les Humanoides Associés, Tournon). Hollow Press lo fa esordire in Italia con il suo lavoro più complesso, il mastondontico Largemouths, un tomo di quasi settecento pagine privo di qualsiasi dialogo e ispirato al dipinto di Francisco Goya Saturno che divora i suoi figli.

In Largemouths tutto è sconosciuto. La Terra che fa da scenografia alla storia è quella che abitiamo anche noi, eppure non l’abbiamo mai vista così incompleta e brutale, ma anche in continua crescita, sempre pronta a fiorire, a creare vita anche laddove non dovrebbe essercene. È un pianeta rozzo, senza alcuna sovrastruttura, dove il concetto di umanità è ancora lontano, tanto da apparire quasi banale se confrontato con le molteplici creature che lo abitano. Ci sono elfi, fate, centauri, esseri umani, giganti, ma tutti sembrano animali mossi da istinti primordiali. Cacciano, mangiano, scopano, lottano per stabilire chi è il più forte. Perché sebbene questa Terra primitiva sia priva di una distinzione netta tra animali ed esseri umani, non manca però di una gerarchia del potere. Il più forte comanda, e lotta continuamente per mantenere il suo potere mentre gli altri cercano di ribaltare l’ordine delle cose. Largemouths è il racconto della lunga e disperata battaglia del più forte tra i giganti per detenere il potere su questa Terra che sta inevitabilmente cambiando. L’espressione deformata dalla tensione e il corpo nervoso percorso da continui spasmi muscolari, accompagnano il gigante in questa rassegnata lotta contro chi è destinato a prendere il suo posto. Facendo tesoro dello suggestioni create dal dipinto di Goya, Largemouths è un susseguirsi di gesti efferati guidati da ferocia e disperazione, una battaglia inutile non tanto contro la morte, ma contro il nuovo che sostituisce l’antico, il futuro che seppellisce il passato, una guerra contro il Tempo stesso.

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Così come la Terra, anche Largemouths è un territorio mutante e in constante trasformazione. Delmas fa trasparire questa sua visione tramite lunghe digressioni in cui descrive la crescita degli alberi, la nascita dei funghi, la putrefazione di un cadavere e i cambiamenti continui delle nuvole. L’autore imbeve il suo racconto di una logica mutante che lo porta a sviluppare uno stile dove ambienti e creature si compenetrano mettendo in luce il legame arcaico tra vita e natura. Il lavoro di Delmas pulsa di vitalità: tutto palpita, tutto si evolve, tutto fa parte di una natura implacabile dove un fungo e un essere umano sembrano indistinguibili perché entrambi governati dalla stessa legge. Di conseguenza il suo stile lavora su due fronti. Da una parte l’autore rende un tutt’uno ambienti e personaggi, conglobandoli tra loro per testimoniare nuovamente non tanto l’unione tra i due elementi, quanto la stessa importanza che rivestono nella Storia. Dall’altra parte Delmas fa l’esatto contrario quando vuole esasperare il movimento dei soggetti. L’ambiente circostante viene del tutto cancellato e i suoi personaggi immersi in un biancore accecante, inciso da un segno grafico nervoso ed energico che esalta i combattimenti, le corse e gli atti sessuali.

E in questo mondo in cui ancora per poco tutte le cose stanno sullo stesso piano e tutti possono aspirare al comando, Gabriel Delmas gioca con le proporzioni dei suoi personaggi, mostrando le loro reali dimensioni solo una volta messi a diretto confronto con le altre specie. Ognuno è il gigante della piccola porzione di mondo che possiede, ma il suo ruolo (anche nella storia) viene ridimensionato ogni qualvolta è obbligato a confrontarsi con qualcuno più grande e forte di lui.

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Largemouths è un Libro della Genesi scritto in un mondo ancora troppo primitivo per poter credere a un dio, è il racconto della formazione dell’eredità genetica dell’essere umano, e Gabriel Delmas è un narratore dal tono quasi sciamanico che vuole svelarci da dove veniamo.

Largemouths
di Gabriel Delmas
Hollow Press, 2015

Palla | Paolo Bacilieri e la spiritualità del Corpo

È il 1996 quando Fabrizio comincia a guidare la sua Saab per le campagna della Lomellina. Fa un lavoro strano, ma lo fa. Un giorno si ferma a pisciare a ridosso di uno di quei fossi per l’irrigazione quando sente una voce chiedere aiuto. Proviene da una palla di carne, ricoperta da una pelle liscissima e perfetta per quanto rovinata dall’abbandono. Fabrizio la carica in auto e se la porta a casa. Nel frattempo tre donne si avviano verso il sepolcro e scoprono che Gesù Cristo è risorto.

Non è un errore, ho usato l’avverbio giusto. Nel frattempo tre donne si avviano verso il sepolcro e scoprono che Gesù Cristo è risorto. D’altronde, perché Bacilieri avrebbe dovuto prendersi la briga di collocare nel tempo (con tanto di didascalie) il breve prologo ambientato nel 2016 e la storia di Fabrizio ambientata vent’anni prima, e non tutta la corposa parte del libro in cui viene raccontata la resurrezione di Gesù? Forse perché tutto accade nello stesso istante.  La progressione temporale di Palla non deve però essere vista come un tentativo di unire lo spazio e il tempo su un unico piano di racconto, semmai l’esatto opposto. Palla vive di una narrazione alchemica che pretende di unire storie distanti non attraverso rimandi e soluzioni grafiche (il tema grafico della palla infatti non compare mai nel racconto biblico), ma creando un dialogo tra i temi e le sensazioni che compongono la storia. Così la vicenda di Fabrizio diventa un racconto spirituale e la resurrezione di Gesù Cristo un racconto erotico, sino a raggiungere una compenetrazione delle tematiche che all’inizio paiono distinte ma che infine sembrano far parte dello stesso mondo.

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Un mondo che in Bacilieri è sempre declinato al passato, perché se tutto accade nello stesso istante, questo non avviene mai al presente. Perché per Bacilieri il presente non è mai un tempo da prendere in considerazione, tutto sembra sempre provenire da un passato che l’autore allontana il più possibile dall’estetica che lo contraddistingue (quel 2016 non sembra il 2016, come quel 1996 non è il 1996 come lo si rappresenterebbe), come se l’unica possibilità di racconto e riflessione è quella che guarda al passato alla ricerca di schemi, costrutti, rimandi e sensazioni (sia narrative che reali) per poter così creare con il riverbero di queste scoperte l’unico presente possibile e immaginabile per l’autore, il tempo presente della lettura, dove tutto si ricostruisce e acquista significato. Così nella lettura del passato fittizio plasmato da Bacilieri, possiamo scorgere il collegamenti sotterranei che uniscono i nostri sentimenti a quelli dei nostri antenati, riscoprendo così la nostra primitiva visceralità e la loro inaspettata modernità.

Palla però è anche la sintesi dell’idea di femminilità che ha Bacilieri: una perfezione sensualmente interrotta da sozzure e sterpaglie, capace di dialogare con la natura e i paesaggi ma affetta da una distanza dal contesto che la rende irraggiungibile e desiderabile, una creatura mistica con cui il maschio gioca sempre un ruolo di subordinato, di profeta, di sacerdote. Ritorna quindi prepotentemente una visione carnale della spiritualità, rafforzata dal paragone del rapporto tra Fabrizio e la palla con quello delle tre Marie con il corpo di Gesù, entrambi percorsi da un’attrazione misteriosa, da una manifesta carnalità (mai patinata, ma che insiste proprio sui difetti e le storture) e da una missione che è quella di testimoniare l’esistenza di un Corpo.

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Palla ci racconta di un’attrazione viscerale e inspiegabile, quasi istintiva, che sfocia e si manifesta attraverso un rapporto spirituale intenso, emozionante ma, nonostante la sua eccezionalità, vissuto in maniera normale.

Palla
di Paolo Bacilieri
Hollow Press, 2016
Prefazione di Francesco Pacifico

Gigahorse #10 | Novembre 2016

Gigahorse è il riassunto delle mie letture mensili. In ordine cronologico. Lo faccio solo per ricordarmi di quel che leggo.


sandman5SANDMAN: LIBRO QUINTO – Il gioco della vita
di Neil Gaiman e AA.VV. – Traduzione di Leonardo Rizzi (RW Edizioni, 2016)
Il gioco della vita
non è tra i miei cicli preferiti di Sandman, colpa di una parte centrale (quella con Barbie nel suo mondo dei sogni) meno divertente di quello che vorrebbe sembrare. Però tutta la parte iniziale è praticamente perfetta nel modo in cui Neil Gaiman caratterizza il gruppo di protagonisti (Wanda su tutti) e come fa irrompere il paranormale nelle loro vite. La parte conclusiva contiene invece la sequenza potentissima della distruzione del regno di Barbie, e un capitolo finale davvero toccante. .

diciottovoltevirgolatreDICIOTTOVOLTEVIRGOLATRE (Il tonno, la tigre, il tempo)
di Stefano Simeone (Bao Publishing, 2016)

Diciottovoltevirgolatre è praticamente illeggibile: storia inesistente, struttura soporifera, dialoghi mal scritti. Il peggio però è tutto nel comparto grafico, tra disegni da wannabe Bastien Vivès (senza il suo controllo e la sua capacità di sintesi) e una colorazione le cui scelte mi sembrano inconcepibili. Si può aggiungere altra benzina sul fuoco? Sì. In più di un’occasione il volume è illeggibile nel vero senso della parola. Ogni volta che le vignette si sviluppano in orizzontale sulle due pagine, si perde sempre qualche pezzo di narrazione nella piega della legatura (che sia qualche linea di dialogo oppure la protagonista piazzata proprio lì in mezzo). Errori evitabilissimi com’è evitabilissimo anche questo libro.

aw25ADAM WILD #25 – La fossa dei diamanti
di Gianfranco Manfredi e Gabriele Parma (Sergio Bonelli Editore, 2016)
Numero migliore rispetto al precedente, ma si sente la fretta nel dover chiudere la storia. Che non è un male, visto che la compressione degli eventi rende più dinamico il racconto insieme a un villain una spanna sopra agli altri che ai sono succeduti sulle pagine di Adam Wild. Disegni di Gabriele Parma troppo statici, persino nella recitazione dei personaggi.

danieletraglialberiDANIELE TRA GLI ALBERI
di Francesco Saresin (Canicola, 2016)
Esordisce in casa Canicola edizioni la nuova collana Henry Darger, ovvero spillati con storie brevi di autori esordienti.
Quella di Saresin è la narrazione delicata di una tensione. L’autore nasconde nel sottobosco di un’atmosfera bucolica di pace e noia, una tensione sessuale segretamente totalizzante. Il segno classico e pulito di Saresin aumenta il contrasto tra i due elementi, ma al contempo li integra su un solo piano.

larabbiaLA RABBIA
a cura di Luca Raffaelli e Valerio Bindi (Giulio Einaudi Editore, 2015)
Al netto delle performance dei singoli autori (la mia classifica personale: Hurricane Ivan, Ratigher, Vincenzo Filosa-Giusy Noce), La Rabbia soffre come tutte le antologie del complesso di chi vuole ridurre a un concetto o a un sentimento le angherie e i sogni di una generazione. Pur se declinata in maniera diversa da ogni autore (e alcuni non sembrano trovarsi proprio a loro agio con il tema), questa rabbia fatica a diventare davvero il filtro attraverso cui gli autori guardano il mondo.
La qualità dei fumetti è sempre buona, meno convincente invece la visione politica che i due curatori appioppano al volume. L’introduzione di Luca Raffaelli ha un tono ridicolo e l’epilogo di Valerio Bindi in cui si cerca di giustificare (quando non serve) la collaborazione tra il Crack! ed Einaudi con inutili paroloni e una buona dose di paraculismo sessantottino è davvero irritante. Bene gli autori, meno bene i curatori.

spiderman1SPIDER-MAN: LE STORIE INDIMENTICABILI #1 – L’arrivo di Venom
di AA.VV. (Panini – RCS, 2007)
A gennaio compirò trent’anni e oggi per la prima volta nella mia vita ho letto l’Uomo Ragno. Dire che mi sono divertito è dire poco. Certo, ci sono i muscoli e le curve di Todd McFarlane che mi hanno rintontito da quanto sono eccessivi eppure così integrati e normali, ma la cosa che mi ha stupito di più è scoprire di avere più punti in comune con Spidey-Peter Parker di quanto immaginassi. Qui si affanna continuamente a cercare soldi per l’affitto, soffre nell’avere una fidanzata non solo più bella di lui ma anche più realizzata nel mondo del lavoro e insomma, tutti quei patemi lì che ogni tanto ci rovinano la giornata.

divinityDIVINITY
di Matt Kindt, Trevor Hairsine, Ryan Winn e David Baron – Traduzione di Fiorenzo Delle Rupi e Arancia Studio (Edizioni Star Comics, 2016)
Il mio primo contatto col mondo Valiant è da considerarsi più che positivo. Questo Divinity è uno dei comics più interessanti letti quest’anno a partire da una sceneggiatura (firmata da Matt Kindt) davvero notevole, che gioca emotivamente con la dilatazione e restringimento della percezione del tempo, riuscendo anche a trovare il tempo di inserire un paio di scene d’azione che si sviluppano proprio attorno a questo concetto. Disegni sopra la media dei prodotti simili delle grandi major. Molto interessante anche il lungo approfondimento del colorist David Baron che ci permette di apprezzare gli stadi di lavorazione di qualche tavola.

brianthebrainBRIAN THE BRAIN – L’integrale
di Miguel Angel Martin – Traduzione di Nicola Pesce (Edizioni NPE, 2015)
Uno dei fumetti più tristi che abbia mai letto. E anche uno dei meno ruffiano. Brian the Brain non somministra tristezza di quart’ordine venendo incontro al lettore, rispettando i suoi limiti e la sua pazienza, ma prende una strada opposta, più complessa e articolata che Martín però porta avanti con una precisione chirurgica impressionante. Brian the brain trasuda innocenza da ogni vignetta, eppure non c’è nemmeno un briciolo di vittimismo. Un libro inaspettatamente denso, dolente e triste.

southernbastards2SOUTHERN BASTARDS #2 – Griglia
di Jason Aaron e Jason Latour – Traduzione di Andrea Toscani (Panini Comics, 2016)
Chi da questo secondo volume di Southern Bastards aspettava sangue e vendetta, dovrà ancora attendere un poco. Invece che proseguire in maniera lineare con la storyline precedente, Jason Aaron fa una deviazione per raccontarci il passato di Coach Boss. Questi flashback non servono per farcelo apparire più umano, semmai ci raccontano come ha ucciso la propria umanità. È ancora una volta una storia di odio e violenza, di un mondo dove le donne non esistono né come forza riappacificante né come motivo di rissa. Qui ci sono solo muscoli e denti storti, occhi gonfi e barbe sfatte, ci sono animali senza speranza, bestie senza un orizzonte che non sia quello di un campo da football.

draculaesercitodeimostri2DRACULA: L’ESERCITO DEI MOSTRI #2 – Guerra totale
di Kurt Busiek, Daryl Gregory, Scott Godlewski e Damian Couceiro – Traduzione di Valeria Gobbato (Editoriale Cosmo, 2016)
Da mostro succhiasangue a vampiro della finanza, il Dracula moderno di Busiek diverte e intrattiene miscelando buone sequenze d’azione a intrighi familiari ed economici. Il tutto è ben equilibrato e l’idea è portata avanti con decisione. Certo, non è un capolavoro di raffinatezza, ma una storia ben scritta non si butta mai via. La stampa in scala di grigi mortifica un po’ il lavoro dei disegnatori, ma non appesantisce la lettura come in altre occasioni.

west2W.E.S.T. #2 – El santero
di Xavier Dorison, Fabien Nury e Christian Rossi – Traduzione di Valeria Gobbato (Editoriale Cosmo, 2016)
Meglio questo volume rispetto al primo. La storia (c’entrano Roosevelt, Cuba, la Santeria e un bel gruppo di zombie) non è confusa, non ci sono spiegoni e l’intreccio tra politica e paranormale è meglio gestito, soprattutto nella parte finale. Meglio anche i disegni di Christian Rossi, che evita i virtuosismi del primo volume per concentrarsi su una narrazione più compatta e meno barocca.

dylandogcolorferst19DYLAN DOG COLOR FEST #19 – Favole nere
di AA.VV. (Sergio Bonelli Editore, 2016)
Dopo i tre passi nel delirio del numero 16, torna la sperimentazione sul Dylan Dog Color Fest con tre favole nere. Apre l’albo La ragazza che moriva ogni notte, storia poco interessante scritta da Mauro Uzzeo che si fa notare giusto per le tavole di Alberto Pagliaro (comunque meno affascinanti di quello che sembrano all’inizio, soprattutto perché la gestione della regia non sempre regge).
Si continua con La regina di polvere e stracci che si fa notare per la sceneggiatura di Federico Rossi Edrighi, non perfetta ma con un’interessante svolta politica e sociale che l’autore inserisce in maniera naturale e mai banale. I disegni di Isabella Mazzanti e i colori di Annalisa Leoni contrastano con l’atmosfera sottilmente violenta della sceneggiatura creando un effetto straniante.
Chiude il volume Il tuo amore, il mio odio di Nicolò Pellizzon. Un vero peccato che la storia non sia così riuscita come avrei voluto, perché Pellizzon riesce sin dall’inizio a infondere inquietudine e a giocare con l’erotismo del personaggio, ma poi sembra che sia stato costretto a seguire binari a lui poco adatti. L’inseguimento di una spiegazione, di una logica all’interno di un fatto inspiegabile, fanno deragliare una storia che ha chiaramente perso qualche pezzo per strada (a naso manca un po’ di delirio, di onirismo, di strade che non portano a nulla ma aggiungono mistero al già misterioso), visto quel finale che dovrebbe stravolgerci e invece non lo fa nemmeno un poco. E in più trovo davvero stupido chiamare a lavorare autori con identità forti e piazzare lì quel lettering anonimo. Come già successo con AkaB
, Pellizzon senza il suo lettering pare aver perso la sua voce.

arustedtaleA RUSTED TALE
di Spugna (Hollow Press, 2016)
The rust Kingdom
sarà il prossimo fumetto di Spugna. Dato che ci toccherà aspettare ancora un anno prima di leggerlo, il suo editore ha deciso di pubblicare questo A rusted tale, un artbook che ha nella sua principale funzione, quella di farci assaggiare la ruggine. Se prendete il tetano le cose si faranno più divertenti.
All’interno ci trovate qualche bozzetto del character design (qualcosa avevamo già intravisto in The Book of Heads) ma la cosa più interessante sono sicuramente i colori, che finora Spugna ha usato solo su storie brevi e mai in maniera così elaborata. Sarà una bella sorpresa scoprire cosa ci riserverà visivamente. Per quanto riguarda la storia è ancora tutto avvolto nel mistero, ma a me va bene così, che fretta non ne ho.

harleyquinn17SUICIDE SQUAD / HARLEY QUINN #17
di AA.VV. – Traduzione di MC Farinelli (Rw Edizioni, 2016)
Dopo venticinque numeri è finalmente arrivato il primo incontro tra Harley Quinn e il suo ex Puddin’. In netta controtendenza rispetto al lavoro dei loro colleghi, Palmiotti e la Conner hanno preparato l’ingresso in scena del Joker seminando il personaggio nella storyline di Harley Quinn, ma eliminandolo quasi del tutto, aumentando così quell’idea di libertà e maturazione che volevano dare al loro personaggio. E questo incontro è pura dinamite: i due autori scrivono un duello verbalmente violento, dove le battutine a sfondo sessuale che hanno da sempre caratterizzato Harley Quinn, trovano una controparte viscida e maschilista in un Joker che da tempo non risultava così fastidioso e cattivo.
Comincia qui la New Suicide Squad scritta da Tim Seeley e disegnata da Juan Ferreyra. Niente di originalissimo, ma questi primi due numeri fanno ben sperare almeno in un poco di divertimento in più rispetto alla precedente gestione. Peccato per i disegni di Ferreyra, troppo pittorici e statici per una serie dinamica come questa.
I Segreti Sei di Gail Simone paiono usciti dritti dritti dagli anni Novanta, sia come scrittura che come disegni. Se vi piacciono quelle cose (ingenuità, sequenze sopra le righe, trama inutilmente ingarbugliata) potrebbe essere la serie che fa per voi; a me annoi un pochettino.